Intervista a Isotta Santinelli

Hai avuto molto successo con la parodia delle Winx, come è nata?

Io sono cresciuta con le Winx, mi hanno proprio intercettata al 100% quando ero bambina e le hanno trasmesse per la prima volta in televisione su RaiDue. Ho seguito tutto il cartone animato e sono sempre stata affascinata dalla palette della colorazione, dallo stile grafico, da questo stile piuttosto disallineato rispetto a tutte le altre cose che c’erano in quel momento e ci sono rimasta molto affezionata anche crescendo. Io ho sempre disegnato e le Winx erano uno dei miei soggetti preferiti, le ho disegnate tantissimo e ho continuato a disegnarle per tutta la vita. Quindi è arrivato il momento di mettere le mani in pasta perché era ora di finirla di fare scuole di fumetto in giro e di cominciare a cercare di lavorare…

Quindi tu hai frequentato una scuola di fumetto?

In realtà alla Scuola Comics di Reggio Emilia ho seguito i corsi di Illustrazione in un primo momento, dopodiché ho frequentato anche il triennio all’Accademia di Belle Arti di Bologna. Dopo il triennio mi sono detta “basta, ho quasi trent’anni, è ora che mi trovi un lavoro” e quindi mi sono mossa in quel senso.

Dato che le case editrici purtroppo adesso ti notano più facilmente se hai un certo seguito sui social ho provato a fare qualcosa che mi facesse raggiungere questo obiettivo, così da evitare di andare dalle case editrici a implorare di farmi lavorare per loro. Quindi ho provato a fare un po’ di cose e ho visto che funzionava particolarmente bene una specie di parodia delle Winx e io ero molto felice perché mi divertivo come una matta a farla e ho continuato su quella strada ed è andata bene così.

Una parodia ma fatta con molto affetto, quindi.

Sì, assolutamente, è un franchise a cui io sono estremamente affezionata, e poi a forza di riscrivere quei personaggi sono diventate le mie bambine. Non c’è assolutamente nulla di critico nella mia versione delle Winx, quello che faccio è un’attualizzazione, la mia interpretazione.

Al di là di questo aspetto giocoso e divertente c’è anche l’altra faccia della tua produzione cioè il volume Si torna sempre dove si è stati male. Come hai vissuto la discrasia tra i due tipi di fumetto (che probabilmente nemmeno c’è)?

In realtà c’è una continuità, perché io come autrice non nasco su Instagram, io nasco con la dimensione della tavola, poi Instagram è una cosa che faccio per mio piacere ma anche perché va fatto in quel modo lì se si vuole che funzioni su quella piattaforma. Quindi per quel che riguarda la dimensione della tavola sono praticamente “tornata a casa”, invece rispetto alla dimensione dell’autobiografia era una cosa che io avevo sempre fatto ma con molti filtri, nel senso che nelle altre narrazioni in cui mi ero trovata a lavorare c’è sempre stato del mio ma appunto filtrato da personaggi e universi di fantasia. In quel caso ho ridotto il filtro perché i personaggi non sono dei ritratti effettivi delle persone coinvolte perché c’è sempre una piccola rielaborazione, e anche per quel che riguarda il contesto si salta da un universo narrativo a un altro però ho reso palese che questo è un gioco, per evitare di fare nomi e cognomi e parlare di luoghi precisi. Comunque anche quella è una cosa che mi diverte molto fare, non c’è affatto un contrasto.

È più liberatorio, forse?

Mah, dipende. Dare una struttura narrativa a una storia di più lungo respiro mi richiede comunque più lavoro e più controllo. Ogni tanto posso buttare su internet anche cinque vignette al colpo, perché magari quel giorno sono arrabbiata ed è liberatorio anche quello, anche se in modo diverso.

Progetti futuri?

C’è un libro a cui devo iniziare a lavorare appena torno a casa, di nuovo qualcosa di autobiografico. Sono molto curiosa di vedere cosa viene fuori.

Non puoi anticiparci altro?

Penso di poterlo fare, non ho firmato nessuna clausola di riservatezza. Devo riflettere sulla rabbia, che è un’emozione che non conosco ancora tanto e con questo libro vorrei capire delle cose. Sto proprio studiando l’argomento prima di applicarmici perché riguarda proprio come io e in generale il mondo femminile si ritrova a interfacciarsi con il sentimento della rabbia.

Ricevo e diffondo

Urar

Nelle ultime perlustrazioni alla Self Area non avevo trovato dei Finestrini (la collana di MalEdizioni) molto accattivanti ma quest’anno ne ho adocchiato uno che mi è sembrato interessante, se non altro perché non presentava una parte grafica respingente come purtroppo molti degli altri.

Come riportato nelle gerenze Urar è «una storia NorMaLe con Lenny» che quindi immagino essere il protagonista anche di altri fumetti. Probabile proiezione del suo stesso autore Luca Genovese da giovane (ci ho parlato e anche lui aggiusta orologi), Lenny è assistente di un orologiaio e nella città in cui vive dopo aver abbandonato Bologna fa degli incontri pittoreschi. Di indole festaiola (ma il lettore vede solo i postumi di serate e concerti) ama spiare l’interno delle case per immaginare chi ci abita. Dopo la visita in bottega di un anziano cliente adesso molto malato, proprio questa sua abitudine gli farà conoscere un vecchio fricchettone che crede sia alla ricerca di una stanza in città. Urar è costituito da tre parti a fumetti e in sostanza non succede nulla, non ci sono misteri da chiarire o drammi da superare o situazioni da risolvere; però è molto piacevole lasciarsi trasportare dalle elucubrazioni del “Poeta” o dai ricordi e le considerazioni del fricchettone. Sempre con gli orologi a fare da testimoni quasi mai muti visto il costante ticchettio che riempie la vita di Lenny. E poi i disegni sono veramente molto belli, elaborati e rigorosi per sfondi e dettagli ma tendenti a un caricaturale molto espressivo per le figure umane. A unire questi due aspetti del disegno, una grande generosità con i particolari e una mezzatinta verdognola. Come ho spudoratamente detto a Genovese, non pareva nemmeno lui ripensando alle sue prove come Zero Zelo e quella miniserie per Lanciostory sulle autostrade scritta da Recchioni (di cui nemmeno lui ricordava il titolo) che giudicavo tremende. A inframmezzare le parti a fumetti ci sono delle dettagliate illustrazioni a colori che raffigurano gli strumenti che usa un orologiaio – esiste persino una lavatrice per orologi.

Intervista a Vincenzo Perrone

Comincerei questa intervista con una mia curiosità forse un po’ stupida. Io sapevo che il primo sceneggiatore di Ken & Dan – Gli Scatenati, un po’ il fumetto-simbolo dei primissimi anni di Lanciostory, era tal Spreafico che scriveva anche fotoromanzi. Ora… Spreafico, Sprea… c’entra qualcosa?

Dunque, premetto che io non sono un grande esperto di quel periodo di Lanciostory però conosco Mario Spreafico che è il padre dell’attuale editore ed è uno dei capisaldi dell’editoria da edicola italiana con la Lancio – non solo limitatamente ai fotoromanzi. Noi lo chiamiamo Mario Sprea, grandissimo personaggio, peraltro ancora al lavoro: lo potete leggere ad esempio su History, che è una rivista miracolosamente in controtendenza rispetto a quello che succede in edicola visto che a ogni uscita cresce il numero del venduto. Si vede che la mano è sempre quella, un grande personaggio. Ma non sapevo che avesse fatto anche lo sceneggiatore di fumetti. Non mi stupisce, però: il multiforme ingegno c’è.

Se fosse una fake news ovviamente la correggeremo. Per quel che riguarda la diffusione di alcuni volumi, soprattutto di quelli de “Le Origini” io ho avuto qualche problema a trovarli e anche altri miei conoscenti si sono lamentati della cosa. È in effetti un problema distributivo generalizzato oppure è una strategia per incentivare gli abbonamenti?

Credo che nessun editore faccia una strategia per non farsi trovare! Non sono la persona più adatta per parlare di questo tipo di argomenti perché mi occupo del coordinamento delle riviste e ovviamente non della distribuzione ma con qualsiasi editore che distribuisce in edicola con cui si parla si sa che c’è un problema con la distribuzione nelle edicole in Italia, e se parlate con gli edicolanti la cosa sarà ancora più evidente.

A me sono giunte voci di cose che fanno veramente rabbrividire, ad esempio il rifiuto di distribuire in alcune zone d’Italia perché non conviene, per cui certi posti non vengono proprio raggiunti.

Sentivo che c’è anche un problema di distributori nazionali che poi demandano ai distributori regionali.

Questo non saprei dirlo, non vorrei parlare di cose che non conosco bene, ma che il problema ci sia purtroppo è assodato.

Per quel che riguarda il programma della Lancio avete in progetto di pubblicare anche qualche serie inedita di Wood? Ad esempio io ricordo che c’è una serie molto bella che si intitola Wolf.

A mano a mano che andiamo avanti ci arrivano informazioni di cui non eravamo a conoscenza… Non ho problemi a confessarlo, perché è difficile sapere proprio tutto di un autore che ha scritto così tanto e per così tante parti del mondo. Comunque c’è giunta voce che ci sono delle cose ancora non pubblicate e alcune cose ci sono arrivate direttamente da Graciela Stenico, la vedova di Wood, quindi possiamo ipotizzare che ci sia del vero.

Possiamo sperare, allora.

Stiamo approfondendo…

Il parco testate al momento prevede i quattro personaggi in varie versioni (inedito, “Origini” e anche Color per Dago), c’è qualche anticipazioni che puoi fare su prossimi progetti?

No, diciamo che per il momento abbiamo lavorato tanto e dobbiamo vedere come vanno queste prime proposte. Ci tengo in particolare sia a Nippur che a Dago nel formato grande, “Le Origini”, perché è la prima volta che si può veramente leggere Wood. Perché lui era uno che scriveva tanto, questa è una cosa risaputa, e nel formato di Lanciostory e Skorpio era impossibile ridurre quel testo con dei balloon così piccoli, quindi lì i tagli ai testi sono stati pesanti. È la prima volta che effettivamente si può leggere così come era pensato in origine. E per Nippur è proprio la prima volta in assoluto che lo si può leggere in Italia.

A proposito, contate di pubblicare anche gli altri episodi inediti di Leopardi, Mulko, ecc.?

Ovviamente questo dipende da voi che ci leggete. Noi contiamo di sì, speriamo di poterlo fare.

E della squadra che realizza il nuovo Dago e il nuovo Martin Hel puoi anticiparci qualche nome oltre a quelli che si sono già visti?

Per quel che riguarda i disegnatori di Dago posso dirti che prossimamente avremo Ibañez ma adesso stiamo lavorando per avere degli italiani, per tornare a lavorare anche con gli italiani, non tanto sul mensile di Dago di 80 pagine quanto sulla Color Edition dove sicuramente sul numero 3 avremo Paolo Ongaro. Ovviamente ci sono altre persone con cui abbiamo preso contatto ma… non faccio spoiler!

Intervista a Marcello Toninelli

Marcello Toninelli, Lei ne ha viste parecchie di stagioni, del fumetto italiano. Come definirebbe quella attuale?

La stagione attuale è l’autunno, come quello che c’è adesso qui a Lucca [l’intervista è stata realizzata il 28 ottobre, nda]. Perché la primavera e l’estate ci sono state fino agli anni ’70/’80, poi sono cominciate a cadere le foglie. Anzi, in questo caso i fogli.

Secondo Lei quali sono le cause di questa disaffezione del grande pubblico? Una volta si incolpavano la televisione e i videogiochi, non so se è d’accordo.

Sì, sono d’accordo solo che purtroppo, ma più che “purtroppo” diciamo inevitabilmente, se ne sono aggiunte altre perché ormai ci sono cento canali televisivi gratuiti, ci sono i canali streaming, c’è sempre il cinema (ma un po’ in crisi anche quello); diciamo che ragazzi ma anche adulti e anche anziani come me hanno un’offerta di intrattenimento che è spaventosa. Per cui trovare il tempo (e anche i soldi) per i fumetti è diventato più difficile. Anche se poi proprio come linguaggio il fumetto si è sicuramente arricchito grazie anche al passaggio in libreria: c’è un’offerta vastissima e capace di accontentare tutti i gusti. Quello che una volta era il punto di forza del fumetto, cioè l’edicola, sta soffrendo e con l’edicola le serie mensili. Anche perché mi sembra che siano invecchiate anche come linguaggio. Sono state sostituite in gran parte dai manga perché i ragazzi che hanno cominciato a vedere gli anime giapponesi in televisione negli anni ’80 hanno subìto un imprinting che non si è mai fermato, anche perché se prima c’era praticamente solo l’avventura nei fumetti popolari, adesso i fumetti giapponesi hanno portato di tutto: quotidianità di ragazzi che vanno a scuola, storie d’amore, persino il sesso sia per adulti che per ragazzini. C’è l’avventura, ci sono le biografie di personaggi storici… il fumetto giapponese e gli anime giapponesi hanno una tale varietà di argomenti e di generi che hanno fatto le scarpe rapidamente a tutto il resto.

Ma non pensa che proprio l’aspetto di estrema popolarità del fumetto italiano possa averlo un po’ penalizzato? Penso a una Bonelli che aveva dei prezzi estremamente bassi e accessibili a cui gli altri editori hanno dovuto adeguarsi, e forse portare a formare nella mente del lettore l’idea che il fumetto fosse qualcosa di poco conto.

Proprio in questi giorni sto completando l’edizione 2026 dell’Annuario Nuvolette che è venduto solo su Amazon (il volume uscirà a fine anno) e ho scritto proprio che il “male oscuro” della Bonelli è stato il suo successo. Perché con Tex che aveva vendite talmente alte da poter vendere degli inediti in albi di 100/120 pagine al prezzo di una raccolta ha fatto piazza pulita di tutta la concorrenza e purtroppo quando un editore, ma più in generale un imprenditore, non ha concorrenza si adagia sugli allori e alla lunga lo sconta. Quando arriva una vera concorrenza, non solo fumettistica ma come dicevo di tanti altri tipi di intrattenimento, è quello che si trova a pagare per primo lo scotto del successo che fu.

D’altra parte Alfredo Castelli diceva che i personaggi Bonelli erano accomunati da uno stesso stampo di cui variava l’ambientazione, difatti quando i personaggi erano ancora solo quattro o cinque uscivano ognuno in una settimana diversa in modo da dare una continuità all’archetipo del protagonista che ha un passato misterioso o drammatico, che è dalla parte della Legge ma non ne fa formalmente parte, ecc. Però ormai non è più così.

No, ormai la situazione per la Bonelli (ma non credo che per altri editori vada meglio) è che vende solo Tex, non a caso moltiplica ogni mese una nuova testata texiana; l’Astorina vende solo Diabolik, Topolino si inventa ogni genere di operazioni di marketing, non solo i gadget allegati ma ultimamente si sono inventati le storie scritte nei vari dialetti italiani, cioè tutte cose che servono a spingere o forse meglio a tenere ancora a galla qualcosa che sta andando a fondo.

Una curiosità: è vero che agli esordi o poco dopo Lei aveva disegnato le parodie porno di Fantozzi?

Sì, io all’epoca collaboravo con una testata che si chiamava Le Sexy Operette che giocava con quelle che erano parodie sexy delle operette famose ma poi siamo passati anche all’opera, ai film e a molto altro. Quindi lo stesso editore aveva tentato di mettere sul mercato una testata basata su Fantozzi, sempre in chiave sexy ovviamente, e avevano chiesto a Paolo Villaggio i diritti per farlo solo che i diritti erano così cari che hanno deciso di farla uscire come Pancozzi. Ma non andò oltre i cinque numeri.

E per quel che riguarda il panorama della critica fumettistica attuale, ammesso che ce ne sia ancora una, come la vede Lei che fu anche direttore di Fumo di China?

La vedo trasmigrata in rete, perché ormai come sapete Fumo di China che veniva venduto in edicola mensilmente ha dovuto tirare i remi in barca, l’hanno rilevato le Edizioni IF che però riescono a pubblicare un paio di numeri all’anno trasformata in rivista di lusso che viene distribuita anche in libreria (sembra anzi indirizzata principalmente a quel canale) per cui diciamo che la funzione divulgativa che svolgeva nella vecchia edizione e col vecchio formato è venuta meno, la critica però vive abbastanza bene in rete dove ci sono diversi siti di critica (due su tutti: Fumettologica e Lo Spazio Bianco) per cui continua ad andare avanti. Anche se è una critica che si è spostata principalmente (e credo si sposterà sempre di più) su graphic novel e sulle produzioni librarie perché sull’edicola c’è sempre meno da dire.

Lovecraft: Cinque strade nella follia

La quinta uscita dei Classici Horror riprende la struttura a episodi inaugurata con lo scorso volume. Dopo Poe stavolta tocca a Howard Phillips Lovecraft farsi reinterpretare i suoi racconti.

Cannavò imbastisce un trait d’union tra queste storie per cui nel 1937 dei marinai che hanno fatto il medesimo orrendo sogno entrano in contatto con il grande Cthulhu in persona dopo aver seguito un libro fluttuante che l’ingenuo cappellano di bordo ritiene essere un segno divino. E invece altro non è che il mitico Necronomicon, che osa destare il Grande Antico perché ha avuto delle rimostranze da parte di altri Antichi e Dei Esterni in quanto Abdul Alhazred, il suo autore, li ha descritti in maniera diffamatoria nel grimorio stesso. Sin da qui è comprensibile che il tono generale sarà ironico, talvolta proprio beffardo. Ufficialmente i racconti a cui si è ispirato lo sceneggiatore sono La follia che viene dal mare (parte de Il richiamo di Cthulhu), L’orrore di Dunwich, La maschera di Innsmouth, Il tumulo e I ratti nei muri. Io però credo di averci ravvisato anche molteplici altre citazioni o strizzatine d’occhio, come quella col cultista naufragato che immagino rimandi al buon vecchio Pickman e che chiede a Cthulhu di diventare il miglior pittore del mondo. Alla domanda del Grande Antico se almeno sappia tenere un pennello in mano, lo sventurato risponde «Perché faticare quando la tua magia può risolvere tutto in un battito di ciglia!» e così fa la fine che immagino molti appassionati augurerebbero ai “disegnatori” che usano la scorciatoia dell’intelligenza artificiale.

Ben altra levatura possono vantare i disegnatori che sfilano in queste pagine (più o meno). Michele Penco che disegna la storia di collegamento tra i vari segmenti non è sempre espressivo quanto certe sequenze avrebbero necessitato, ma la sua mezzatinta è spettacolare – e comunque sopperisce a una certa staticità con il lavoro sulle forme e le dimensioni delle vignette. Francesco Biagini realizza un lavoro elaboratissimo a cui il grande formato e la buona resa di stampa rendono pienamente giustizia. Giulia Francesca Massaglia che illustra Innsmouth e i suoi abitanti ha uno stile fenomenale, in cui il realismo si sposa alla perfezione con il grottesco. Sudario Brando rappresenta invece una doccia fredda. Se gli altri autori non temono di sfiorare l’iperrealismo, lui non tenta nemmeno di essere realistico e le sue tavole sono schematiche e caricaturali – oltre a essere elaborate digitalmente, quasi a voler invocare su di sé il destino riservato poco prima a Pickman. Non è solo una questione di gusti: al di là dello stacco nettissimo con gli altri disegnatori molto più realistici e curati, nella sua storia (sarcastica riduzione de Il tumulo) manca quel contrasto tra il maestoso realismo dei disegni e la feroce ironia dei testi, finendo per depotenziare questi ultimi. Corrado Roi chiude le danze con una reinterpretazione de I ratti nei muri e penso sia superfluo spendere ulteriori parole sulla maestria di questo disegnatore che è ormai un classico.

Come di consueto in appendice viene ospitato un approfondimento sull’autore da cui sono tratti i racconti, stavolta a cura di Luca Crovi. Questa appendice è particolarmente ghiotta perché vi vengono citati ampi brani del saggio dello stesso Lovecraft sull’orrore soprannaturale nella letteratura. Inoltre pensavo che Crovi si sarebbe dimenticato di citare giochi di ruolo e videogame che si sono nutriti del mito lovecraftiano ben più del cinema, ma invece si salva in corner. La presenza di una tavola originale dei Miti di Cthulhu di Alberto Brecca mi fa chiedere ancora una volta se il Norberto Buscaglia che ne firmò ufficialmente l’adattamento fosse lo pseudonimo di Enrique Breccia, suo cognato che si chiamava davvero così oppure un nom de plume occasionale dello stesso Viejo.

Dylan Dog Color Fest 59: Da un altro universo

Parlo di questo ultimo Color Fest con il fisiologico ritardo dovuto alla pubblicazione delle recensioni e delle interviste di Lucca.

Come specificato in copertina, si tratta di un albo dedicato alla memoria di Carlo Ambrosini che ne aveva cominciato a scrivere la prima sessantina di tavole con la collaborazione di Lu Vieira. Barbara Baraldi e Franco Busatta nelle rispettive introduzioni non specificano come siano poi proceduti i lavori ma immagino che ai disegnatori intervenuti sia stata data la massima libertà, infatti figurano anche come sceneggiatori.

Lo spunto di partenza è l’esistenza di una razza di alieni simili a mosche le cui larve sono ghiotte di sangue umano e che per questo rapiscono ogni tanto qualche persona per nutrirsene fino a ucciderla. Ma la morte non è una cosa definitiva perché per gli Orgoniani la cessazione delle funzioni vitali implica semplicemente il trasferimento in un’altra linea temporale – si vede che nel processo trasmettono questa caratteristica anche agli umani. Inizialmente Dylan Dog si trova invischiato in questa faccenda perché una sua amica e potenziale fiamma ha il padre ricoverato in psichiatria convinto di essere entrato in contatto con quegli esseri, ma poi anche lui è vittima di prelievi che lo “resettano” in due contesti diversi elaborati da Giulio Camagni e Paolo Bacilieri, che si rifanno rispettivamente alla Passione di Cristo e a Sangetsuki di Nakajima Atsushi.

La trama portante disegnata da Gabriele Ornigotti è più che altro una cornice entro cui si inserisce il resto, c’è qualche spunto drammatico anche lì ma viene risolto molto rapidamente. Che Ornigotti (colorato da Francesca Zamborlini) fosse allievo di Ambrosini è evidente dallo stile molto simile. Giulio Camagni si colora da solo con splendidi acquerelli. Paolo Bacilieri (colorato da Erika Bendazzoli) realizza delle belle tavole a volte un po’ stilizzate, immagino per citare l’estetica orientale a cui si rifà il racconto.

Nel complesso è un albo da leggere senza farsi troppe domande e godendosi la suggestiva parte grafica.