Il Meglio e il Peggio del 2020

 Il Meglio

1

Mattéo – Il quinto periodo: ci ho pensato molto prima di decidere se includere anche questo nel Meglio del 2020: praticamente ogni volta che ne esce un volume ce lo metto nel Meglio di quell’anno e capisco che posso sembrare ripetitivo. Però è veramente eccezionale, sicuramente meglio del precedente.

 

2

Padovaland. Una rivelazione.

 

3

Lena 3: Il Braciere su Lanciostory 2347-2350. Partie de Chasse aggiornata al terzo millennio.

 

4

Historica 87: Mezek. Yann e Juillard al top.

 

5

Cosmo Serie Gialla 88: Argentina. Lele Vianello ho imparato ad apprezzarlo solo da pochi anni. È vero che a livello grafico non può competere con il maestro Hugo Pratt, ma giustamente non gli interessa nemmeno: quello che conta è che a differenza di quei fumettisti (e sono la maggioranza) che dicono di voler raccontare una storia e poi fanno un fumetto su di loro che vogliono diventare fumettisti, lui racconta una storia. E il suo citazionismo per così dire carezzevole e non ostentato è un ulteriore pregio di questa storia appassionante e ben costruita.

 

6

(questo numero non mi è ancora arrivato)

The Doomsday Machine. Che bella sorpresa: una rivista di fumetti nel 2020! Ovviamente parliamo di un progetto quasi amatoriale, ma che dimostra grande professionalità: sono evidenti la serietà e la progettualità alla sua base, che talvolta mancano anche ai grossi editori. Nessuna delle storie brevi è un capolavoro (ma non sono mancate delle gemme), però il progetto va premiato in sé.

 

Il Peggio

 

1

La terribile Elizabeth Dumn contro i diavoli in giacca e cravatta: che minchiata.

 

2

Hollywoodland: non è tanto una critica al fumetto in sé (buono) quanto alla proposta da edicola: era proprio necessario dividerlo in tre albi invece di farne uno solo?

 

3

Barbarossa 10 (ma anche Yoko Tsuno 5, l’integralone di Gaston Lagaffe, ecc.): nonostante i propositi di Andrea Rivi, a quanto pare con l’acquisizione di Nona Arte da parte della Cosmo possiamo solo sognarceli.

 

Meglio o Peggio?

Historica 94: Airborne 44. Anche quest’anno rispolvero questa categoria. Il fumetto in sé è ottimo, ma perché pubblicare i volumi 7 e 8 saltando i 5 e 6?

Buon 2021!

The Dollhouse Family: La Casa delle Bambole

Se non altro lo sceneggiatore M. R. Carey è stato onesto e ha anticipato sin dall’inizio che questa storia di fantasmi e possessioni ha una base pseudoscientifica. Molto pseudo.

Nel 1979 la piccola Alice riceve in eredità una bellissima e apparentemente antica casa di bambole, uno di quei giocattoli diffusi nel mondo anglosassone in cui vengono ricreate in piccolo delle abitazioni signorili molto dettagliate. Il padre di Alice è un uomo manesco e dedito all’alcol ma grazie a una formula magica la bambina può andare a rifugiarsi nella casa giocattolo, dove i pupazzi prendono vita e giocano con lei. E dove si trova anche la Stanza Nera, un luogo tramite cui la casa stessa parla con i suoi abitanti “suggerendo” loro cosa fare una volta tornati al mondo reale. Siccome il consiglio prontamente accolto è quello di ammazzare suo padre, colpa che ricadrà sulla madre, Alice passerà i primi anni della sua vita in giro per case famiglie e istituzioni simili.

Nel mentre, o meglio 150 anni prima, Joseph Kent esplora in Irlanda una caverna sconosciuta, rinvenendo una creatura colossale e cedendo alla lussuria con una ragazza che si trova nella stessa caverna. La narrazione procede parallela e mentre Joseph ha miracolosamente un figlio dalla moglie ufficialmente sterile (che muore nel parto) Alice cresce, diventa una veterinaria e ha anche lei una bambina, nata dopo un “incidente” con un preservativo. Nemmeno la pillola del giorno dopo funziona: a quanto pare deve per forza nascere una nuova creatura, proprio com’era accaduto con Joseph… La casa delle bambole ricompare poco prima che Alice e sua figlia Una rimangano mutilate in un attentato, e alla fine la protagonista si decide a farla finita con quell’entità che vuole manipolarle per i suoi scopi.

Pur nascendo negli Stati Uniti The Dollhouse Family non è certo la classica storia di supereroi (si vedono persino delle donne nude! Inconcepibile!) però ricorre comunque agli stereotipi del genere: i cliffhanger, alcune battutine cool, la preparazione per lo scontro finale, la creazione di una nemesi, addirittura la retcon… Il suo intento di essere qualcosa di diverso da un fumetto mainstream è quindi riuscito solo in parte, inoltre il ritmo è sin troppo sincopato con sequenze molto lunghe frammiste ad altre che avrebbero meritato un minimo di approfondimento (Jake accetta la sua paternità senza colpo ferire, per limitarsi a un esempio). Carey ha messo un po’ troppa carne sul fuoco e tra riferimenti alla tradizione gaelica e ai gruppi suprematisti bianchi avrebbe sicuramente tratto beneficio da qualche capitolo in più oltre ai sei di cui è composto questo fumetto. Come anticipato, la spiegazione del mistero è pseudoscientifica o meglio pseudorazionale. Ma anche il ricorso alla fantascienza per spiegare il nucleo della storia non copre del tutto certi buchi logici. Più che altro, il lavoro di Carey è apprezzabile per aver architettato una storia in cui tout se tient, spargendo indizi nel corso di tutti e sei gli episodi.

I disegni sono opera di Peter Gross con “rifiniture” di Vince Locke. Non è che queste ultime abbelliscano più di tanto il comparto grafico, che è piuttosto abbozzato e che l’accumulo di segni e segnetti rende a volte ancora più confuso. Qualche volta si fa fatica a distinguere un personaggio da un altro, e se le pupille non sono uniformemente nere ma solo tratteggiate gli sguardi diventano assenti e i personaggi inespressivi. Ogni tanto affiora anche qualche sproporzione anatomica. Le sequenze nella Stanza Nera sono invece molto efficaci, perché il tratteggio ricorda quasi delle incisioni; ma purtroppo queste sequenze sono pochissime.

Non si può certo dire che The Dollhouse Family sia un brutto fumetto, ma la cosa che ho apprezzato di più sono le suggestive copertine fotografiche di Jessica Dalva.

Michel Vaillant Nuova Serie 8: 13 Giorni

I tredici giorni del titolo sono quelli che ha a disposizione Michel Vaillant per prepararsi a partecipare al Gran Premio di Francia. Inizialmente riluttante, accetta l’invito di Cyril Abiteboul e così affronterà la gara coi colori della Renault. Le didascalie che scandiscono lo scorrere del tempo fanno montare la giusta tensione nel lettore che accompagna Michel nei suoi allenamenti sotto la supervisione di professionisti inaspettati (pare che un pilota di Formula 1 finisca in apnea più volte nel corso di una gara) e con strumentazioni quasi fantascientifiche a testimonianza dello scrupoloso lavoro di documentazione di Lapière e Graton junior. Oltre al lavoro per recuperare la forma, prendere confidenza con la nuova vettura e calibrarne i parametri Michel dovrà anche affrontare l’opinione pubblica e gestire un po’ di public relations. La narrazione procede spedita con qualche rarissimo (e gradito) tocco di ironia nei dialoghi e citando addirittura la preistoria di Michel Vaillant col suo passato di trombettista dilettante. Oltre a questo, sfilano una pletora di marchi realmente esistenti e di personalità del mondo reale (ho dovuto fare qualche ricerca su internet per capire chi fosse quel Cyril), motivo per cui all’inizio dell’episodio è stato messo un disclaimer a riguardo. Finché si arriva al Gran Premio, il momento più atteso dagli appassionati e quello più noioso per me. Il finale è decisamente buono; ovviamente la saga andrà ancora avanti (Michel deve riscattare il marchio Vaillante) ma siamo finalmente arrivati a un punto fermo.

Stavolta ad accompagnare Benéteau, che si occupa dei dettagli tecnici e nello scorso numero anche delle figure umane, c’è Vincent Dutreuil. Non so come si siano divisi il lavoro, ma effettivamente la parte grafica è un po’ inferiore rispetto agli episodi precedenti. Sfogliando il volume non si nota, però certi dettagli anatomici non sono proprio correttissimi (alcuni mani e piedi sono talmente brutti che sembrano disegnati da Jack Kirby) ma questi rari difetti sono tutti concentrati nelle prime pagine. C’è però anche qualche problema per così dire “logico”, ovvero Michel lamenta inizialmente di non essere in forma ma il suo fisico non viene disegnato in maniera diversa prima e dopo gli allenamenti, così come le fattezze di alcuni personaggi, e dello stesso protagonista, non sempre sono uguali di vignetta in vignetta. Un tratto così netto e sintetico, senza tratteggi e sfumature, sarà poi sicuramente elegante e funzionale alla narrazione, ma impostando la griglia delle tavole su tre strisce le vignette a volte risultano un po’ vuote, anche se il buon lavoro del colorista Bruno Tatti le rende comunque esteticamente valide. Il tempo di prendere maggiore confidenza con formato e personaggio e non dubito che i due disegnatori sapranno ottenere risultati migliori, e comunque nel complesso la parte grafica di 13 Giorni non è male.

La mia vigilia di Natale

Per poco un drago verde non mi ha ammazzato.

Eroi in Crisi

Ennesima Crisi della DC Comics (ormai ne faranno una all’anno o giù di lì), questa storia parte almeno da premesse originali: la trinità dell’universo DC ha predisposto una struttura isolata con tecnologia kryptoniana in cui i supereroi possono andare a sfogarsi come dallo psicanalista per liberarsi dai traumi che altrimenti potrebbero farli deragliare. Nello specifico, la tecnologia permette di creare un ambiente virtuale a piacimento del “paziente”.

Ma qualcuno (o qualcosa) è riuscito a localizzare il posto e a superarne le difese e ha ammazzato i vari ospiti che si trovavano lì in quel momento. Chiaramente a farne le spese sono le mezze calzette dell’universo DC, quelli la cui mancanza non pone problemi di continuity o rimpianto nei fan. Alcuni non so nemmeno se esistono veramente o se sono stati creati appositamente per questa miniserie. La succitata trinità (Superman, Batman e Wonder Woman) indaga per arrivare al bandolo della matassa ma nel frattempo anche Booster Gold e Harley Quinn, aiutati poi da Batgirl e Blue Beetle, indagano perché devono scagionarsi dalle rispettive accuse di questo genocidio.

Nel mentre la notizia dell’esistenza di questo Santuario è stata diffusa mettendo a repentaglio la credibilità degli eroi, che si vorrebbero sempre sicuri di sé e privi di debolezze.

Ovviamente l’elemento investigativo della storia la fa seguire con interesse, per il resto Tom King scrive con brio senza esagerare con le battute cool (anche se qualcuna c’è) e caratterizzando molto in profondità i personaggi senza farli blaterare troppo. Queste qualità vengono in parte vanificate dai molti riferimenti a situazioni precedenti che non conosco e che, pur non essendo indispensabili per apprezzare la trama portante, hanno una certa influenza su di essa. A inframmezzare il flusso della narrazione ci sono tavole con gli eroi al “confessionale”, secondo un canone abbastanza comune usato anche in un film per ragazzi sulla Justice League che intravidi anni fa. Anche la soluzione del mistero, per quando accessibile anche così, richiede un minimo di conoscenza dell’universo DC che io non ho. Anche per questo non l’ho apprezzata molto, oltre che per tutti i problemi di sospensione dell’incredulità che comporta. Come non è molto apprezzabile la fastidiosa Harley Quinn, solo un po’ meno ridicola e irritante della sua controparte maschile Joker.

Sicuramente molto buoni i disegni di Clay Mann, che però non va oltre le matite e si vede. Purtroppo non è riuscito a fare tutto il lavoro da solo ed è stato occasionalmente (anzi, assai spesso) aiutato da disegnatori dignitosi, se non molto bravi a loro volta, ma non altrettanto spettacolari: Lee Weeks, Travis Moore, Mitch Gerads e Jorge Fornes.

Boh, poteva essere un fumetto interessante, e in parte lo è, ma per i miei gusti è troppo compiaciuto del suo rimestare nella mitologia DC Comics.

Alien 43 (+ supplemento): La sceneggiatura originale

Versione a fumetti della prima stesura della sceneggiatura di Alien di Dan O’Bannon, che ha subito molte modifiche in corso d’opera prima di diventare il film di Ridley Scott. Leggendo questa miniserie di cinque numeri, elaborata da Cristiano Seixas, si ha contemporaneamente un’ovvia (ma piacevole) sensazione di déjà vu e un’altra sensazione ancor più piacevole di risalire alle vere origini del film, quasi fosse un dietro le quinte.

La trama e i passaggi principali sono gli stessi, ma i dettagli diversi sono tantissimi, a partire dai nomi dei protagonisti. Ovviamente non li elenco per non rovinare la sorpresa a chi deve ancora leggere il fumetto. La vicenda si dipana con grande efficacia nonostante debba essere contenuta nel formato di cinque comic book da 20 tavola l’uno; non mi sembra che sia stato fatto alcun lavoro per creare dei cliffhanger e questo Alien va letto tutto di seguito. Nonostante la storia sia ben nota, o forse proprio per questo, la tensione monta sin da subito e anche grazie a certe avvedute scelte di regia vengono ricreati il senso di claustrofobia ma anche il dinamismo di certe scene. I disegni di Guilherme Balbi sono molto belli: rigorosamente realistici ma al contempo espressivi, rendono alla perfezione le sequenze interamente mute. I colori sono opera di Candice Han.

Questa versione in albetti da 48 e 64 permette oltretutto di risparmiare rispetto all’eventuale versione in trading paperback visto che tutta la storia costa così meno di 9 euro. Non si tratta di una cortesia da parte della saldaPress visto che con la fine del 2020 decadrà la sua licenza per pubblicare i fumetti di Alien a causa di un cambio del detentore originale dei diritti.

The Flash/Zagor: La Scure e il Fulmine

La copertina che ho preso io

Preso con l’obiettivo di trovare del sano intrattenimento scacciapensieri, non ha deluso le aspettative.

Un concilio di tribù indiane vaticina un’imminente catastrofe, il cui arrivo si riverbera sui mondi dei due protagonisti. Flash lotta contro i… «rogue» (ha veramente un gruppo di supernemici che si chiama così? Che fantasia…) quando viene raggiunto dalla visione del ragazzino in fuga che ha annunciato la catastrofe, mentre Zagor indaga su un villaggio abbandonato da cui escono i suoi vecchi nemici, alcuni dei quali ufficialmente morti. Anche a lui compare la visione del ragazzino e quando la tocca gli universi si incontrano per un momento.

Tutto qui, anche perché La Scure e il Fulmine è solo l’incipit del “vero” cross-over tra Flash e Zagor che uscirà prossimamente. Queste 20 pagine sono state però calibrate in modo da essere fruibili autonomamente fornendo l’introduzione alla storia e presentando abbastanza in profondità i due protagonisti e i rispettivi universi narrativi. Coniugando i registri narrativi della scuola supereroistica e di quella bonelliana la storia offre un sacco di azione e anche qualche azzeccata battuta fornita da Cico.

I disegni di Davide Gianfelice sono in tono con l’allegro parossismo della vicenda, tanto dinamici che qualche rara volta certi dettagli sono poco più che schizzati. Le copertine di Carmine Di Giandomenico sono ancora più ipertrofiche. La griglia delle tavole è molto libera, i colori sono realizzati da Luca Saponti con la supervisione di Emiliano Mammucari. La qualità della carta, non patinata, toglie però lucentezza e nitidezza all’insieme.

L’albetto è brossurato e a vederne la costola sembrava che fosse anche abbastanza corposo (ulteriore vantaggio, oltre al risparmio, della carta usata!) ma in realtà quasi metà delle sue 32 pagine sono occupate da redazionali curati, almeno in parte, dagli sceneggiatori Giovanni Masi e Mauro Uzzeo che cercano freneticamente similitudini e punti di contatto tra i due personaggi per giustificare il loro incontro (senza che ce ne sia assolutamente bisogno) riuscendo alla fine a trovare delle affinità convincenti nelle biografie “civili” dei due eroi di carta.

Non so quali siano i progetti a lungo termine della Bonelli, ma dubito che negli Stati Uniti sia tanto facile pubblicare un fumetto con un personaggio che si chiama Iron-man (un nemico di Zagor) se non si è la Marvel, così come Cico potrebbe far sollevare polemiche per la sua raffigurazione parodistica dei messicani. Per fortuna in Italia non abbiamo di questi problemi.

The Doomsday Machine #5

Come abbondantemente “strillato” in copertina, questo quinto fascicolo presenta una storia extra, portando il computo totale a quattro fumetti. In realtà già lo scorso numero ne offriva quattro, più rilevante è il fatto che le pagine passano a 48 senza aumentare il prezzo.

Questo numero si segnala anche per la nuova gestione affidata a Roy, che però non porta a nessuna modifica sostanziale dei contenuti.

Si comincia con The Last Diner On Earth: parrebbe una parodia di supereroi con il campione russo che combatte senza fine contro quello americano, in realtà i protagonisti sono un macellaio e il cuoco di hamburger che si serve della sua materia prima, che si divertono ad ammirare lo scontro scommettendoci sopra. La trama imbastita da Raffaello De Rosa è simpatica e divertente, non senza un po’ d’azione ben orchestrata. Il twist ending è azzeccato anche se prevedibile (e poi l’hanno sbattuto il quarta di copertina!). I disegni di Angelo Cannata sono inizialmente dignitosi ma peggiorano in corso d’opera, forse per la necessità di consegnare le tavole in tempo.

Torna Officina Infernale con Fortress 2, sempre ispirato ad Alan D. Altieri. Stavolta sono di scena delle mutazioni create a partire da proprietà intellettuali famose, Topolino in testa! Piacevolmente delirante, la storia è “disegnata” usando collage e manipolazione digitale: il risultato mi sembra più efficace di quanto visto sul numero 1.

Fox Season ha un’ambientazione originale: una Scozia contaminata in cui il giovane e mollaccione Rupert viene introdotto dal nobile padre alla rituale caccia alla volpe, adattata alle esigenze di questo mondo post-apocalittico. La storia di Mauro Di Stefano è simpatica e ben architettata (ricorrendo sapientemente ai dettagli delle vignette piuttosto che all’infodump) ma i disegni di Davide Coi, per quanto promettenti, sono ancora molto acerbi.

Sempre meglio, però, di quelli di Federico Galeotti che disegna l’ultima storia, Hibakusha, su testi di Barbara Giorgi. Anche se l’infantilismo di questi schizzi fosse voluto, non è affatto adatto per questa storia in cui anche l’azione svolge un ruolo importante. In un Giappone distopico controllato dagli Stati Uniti il samurai mascherato (o quello che è) Igarashi Masao, sopravvissuto a Hiroshima, si mette al servizio dell’Imperatore Hirohito per liberare una risaia da un mostro: in cambio gli verrà rivelato dove si trova la sua amata Shigeko, figlia di Hirohito. Il combattimento centrale non è il vero perno della storia, ma comunque disegnato così non ci si capisce niente.

Graficamente questo numero è nel complesso il meno riuscito ma le storie si mantengono sempre su un livello soddisfacente.

Blake e Mortimer 27: L'Urlo del Moloch

Questo nuovo tassello della saga si ricollega al precedente episodio scritto da Jean Dufaux; per fortuna un provvidenziale riassunto scritto ci rinfresca la memoria dopo sette anni.

La navicella rinvenuta grazie all’intervento dell’Onda Septimus non era la sola mandata in avanscoperta sulla terra. Delle sette inviate, un’altra ospitava ancora un sopravvissuto, che è stato prontamente catturato e viene studiato dal Professor Scaramian, che in precedenza aveva dato del filo da torcere ai protagonisti ma adesso chiede l’aiuto di Mortimer. L’alieno ostile, il Moloch del titolo, riesce a fuggire grazie alla sua abilità di “abitare” i corpi umani e Londra comincia a riempirsi di geroglifici che altro non sono che le istruzioni che Moloch impartisce alla nave ammiraglia degli invasori alieni affinché comincino ad attaccare la Terra.

Nel mentre Olrik è stato parzialmente liberato dallo stato catatonico in cui versava a causa dell’Onda Mega (grazie alla formula del Faraone Abdel Razek!) e Blake indaga sul caso parallelo della scomparsa di Lady Rowana, che ovviamente si ricollegherà alla vicenda di Mortimer. Questa si conclude con la prevedibile sconfitta dei cattivi grazie al meno prevedibile intervento risolutivo di Olrik.

L’Urlo del Moloch non partirà da una base originale (quanti altri alieni o uomini del futuro hanno già sfilato nella saga?) e Dufaux infarcisce la storia di technobabble, ma è un fumetto avvincente che si legge con interesse e non mancano sequenze molto suggestive. Inoltre la spacconeria tipica dello sceneggiatore si traduce in dialoghi briosi e divertiti – anche le didascalie seguono questo andazzo interpellando ogni tanto il lettore. Certo, bisogna stare al gioco (quanti poteri ha quel benedetto Moloch? E come fa, gigantesco, a nascondersi in corpi più piccoli del suo? E poi basta che non metta la sua firma agli ordini per fermare lo sterminio?!?!) ma il gioco vale la candela. Oltretutto finalmente viene data piena dignità a quello che secondo me è il vero protagonista della saga, cioè Olrik. Lo sconfiggono, lo picchiano, gli fanno il lavaggio del cervello, lo usano come cavia ma lui non si arrende mai e torna sempre. Ci sono anche un omaggio a Edgar Pierre Jacobs e camei di Winston Churchill e della giovane Regina Elisabetta, per chi ama queste cose.

Quello che invece non mi ha convinto (non del tutto, almeno) sono i disegni. Se non erro Schréder era quello che era subentrato ad Aubin nell’altro volume di Dufaux facendolo deragliare. Qui è stato coadiuvato da Christian Cailleaux e il risultato non è così sciatto come nell’altro caso, ma comunque la qualità non mi è sembrata paragonabile a quella degli altri disegnatori moderni della saga. È proprio vero che la Ligne Claire non perdona: basta sforare di un millimetro o poco più un mento o una fronte perché il disegno non stia più in piedi come avrebbe dovuto. Un ruolo fondamentale in questo volume lo rivestono i colori visto che i geroglifici non sono contornati. La colorista Laurence Croix ha però scambiato la Corsica e la Sardegna per delle nuvole nella panoramica spaziale di pagina 39!

Historica 98 - Caterina de' Medici 2: La regina maledetta

L’amarezza per le ultime novità mi ha fatto leggere quest’ultimo numero senza fretta, tanto più che ho anche altro materiale in attesa grazie al ritorno in zona gialla. Cominciamo male: la trovata di dividere tre episodi originali in due volumi da un capitolo e mezzo l’uno fa partire la storia in medias res: «Ora vedova»… Pessimo inizio, anche perché bisogna rifarsi l’orecchio, per così dire, allo stile di Delalande e della Mogavino. Questa seconda metà del secondo episodio si concentra sulla difficile convivenza della protagonista con i Guisa e i protestanti ed è estremamente didascalica. Laddove le didascalie non bastano a riassumere le vicende del contesto storico ci pensano alcuni personaggi di contorno che intervengono opportunamente. La prima parte di questo volume (che, ricordo, è la seconda parte del secondo episodio originale) mostra l’acume politico della protagonista e si conclude con le Nozze di Sangue, evento meglio noto come Notte di San Bartolomeo in cui i cattolici sterminarono gli ugonotti.

La seconda parte, terzo volume originale francese, si concentra ancora a lungo (metà episodio) sulla Notte di San Bartolomeo, che probabilmente è uno di quegli argomenti come Napoleone o la Comune che coi Francesi funzionano sempre – non a caso veniva ricordata anche ne Le Sette Vite dello Sparviero che è ambientato anni dopo. La corsa verso l’inevitabile massacro è ben orchestrata, con la tensione che viene fatta sapientemente crescere grazie al confronto tra Caterina e i suoi consiglieri, mentre gli sceneggiatori danno anche conto delle varie possibili interpretazioni dell’evento e delle personalità che potrebbero averlo fatto deflagrare. È probabile che il loro intento sia anche quello di scagionare la protagonista dalle accuse di aver progettato ella stessa il massacro come hanno sostenuto alcuni storici.

Dopo questa prima metà molto avvincente e ben architettata la narrazione subisce un brusco rallentamento: torniamo al “presente” (fino a prima la storia era narrata da Caterina anziana) quando la regina ormai quasi in fin di vita mangia con la servitù riassumendo frettolosamente il resto del suo regno. Delalande e la Mogavino sono stati sicuramente efficaci nel riallacciare certi fili risalenti addirittura all’infanzia della protagonista, ma inevitabilmente lo spazio ridotto ha costretto a sfiorare appena certi argomenti e a far entrare in scena alcuni personaggi (in particolare il principe Francesco) come se uscissero dal nulla. Le frequenti scene in cui i personaggi delirano sopraffatti dalla loro coscienza sono un po’ esagerate ma tutto sommato funzionano bene. Nel complesso Caterina de’ Medici è un buon fumetto, decisamente migliore dell’altra prova degli stessi autori.

Sfogliando il volume mi era sembrato che Gomez fosse sceso a più miti consigli e avesse diminuito i dettagli maniacali con cui ha riempito le sue tavole. In parte è vero, ma ci sono ancora delle vignette in cui bisogna usare una lente d’ingrandimento per cogliere tutti i dettagli, e che “stonano” col resto perché evidentemente realizzati a parte col computer e inseriti successivamente dentro tavole impostate su un’altra scala. Tutti questi dettagli, poi, servono fino a un certo punto visto che il punto forte di Gomez è la grandissima espressività dei suoi personaggi. C’è un avvicendamento ai colori: l’ultimo episodio è stato colorato da Salvo e non più da José Luis Rio, anche se non ho avvertito alcuna differenza rilevante. Di sicuro i disegni di Carlos Gomez si gustano di più in bianco e nero e con un formato più grande, come confermano i dietro le quinte sul suo lavoro posti in appendice.

Nelle ultime pagine del volume c’è anche un’intervista alla Mogavino, da cui si evince che in Francia gode di grande stima e ha mietuto premi su premi.

Federica (è) il Diavolo 2 di 8: Sesso e Politica

Secondo appuntamento con la disinibita Federica. Stavolta è di scena un coprotagonista classico della commedia erotica e della politica italiana: un senatore che predica la morigeratezza e la morale cattolica mentre si dedica lontano da sguardi indiscreti a orge e droghe. Federica risponde alla sua chiamata ma scopre che non è l’unica, probabilmente a causa di un malfunzionamento nella connessione internet del portaborse del politico (in effetti il passaggio a pagina 4 non mi è chiaro, sembrava quasi che volesse fargli esplodere l’aereo a distanza). Risentita dal fatto che con tutte le sostanze che ha in corpo il politico potrà “rendere” ben poco, Federica si consola almeno con la variegata offerta di altre donnine che sono andate a trovarlo.

Il soggetto di partenza è decisamente banale, non tanto per la pletora di altre opere che usano delle figure simili quanto per la ricca casistica che ci ha offerto la cronaca. A rendere questo episodio interessante è l’umorismo che vi viene profuso.

Ai disegni Alessandra Superina fa un lavoro dignitoso (tranne quando deve disegnare un aereo!) ma in linea di massima le preferisco Roberto Serafini. Per fortuna lo stile un po’ freddo e stilizzato con cui disegna le prime tavole diventa poi leggermente caricaturale: ottima cosa in questo contesto visto che così i personaggi sono molto espressivi e le scene più buffe ne traggono beneficio. Un fumetto leggero e piacevole, anche se in sottotraccia emerge paradossalmente un vago moralismo: Federica è affamata di sesso ma rifiuta sdegnata la cocaina.

Bella la copertina di Elena “Selenike” Nastasi anche se il capezzolo destro è un po’ strano.

I Cavalieri di Heliopolis: La Grande Opera

Per far mandar giù la pastiglia antifilaria ai cani un metodo efficace è di avvolgerla nel prosciutto o nella carne. Un sistema per far digerire ai lettori italiani il fumetto franco-belga nel suo formato corretto, invece, non è stato ancora trovato.

Classici Audacia e Albi Ardimento erano brossurati da edicola, oltretutto con tagli e rimontaggi per far stare la pubblicità, e testimoni dell’epoca mi dicono che costavano parecchio per quelle che erano le abitudini di spesa degli italiani in fatto di fumetti. La Mondadori tentò con Blueberry e altri personaggi la strada del cartonato di prestigio, così come Gandus e Vallecchi, ma non dovette incontrare molti favori. Ci fu poi la stagione delle collane da edicola come quelle della Nuova Frontiera, della Glénat Italia e della Comic Art, ma quest’ultima si concentrò poi solo sulla versione parallela da libreria.

Dopo la stagione felice degli Euramaster le proposte più recenti dell’Aurea sembrano entrate in clandestinità e anche se AureaComix e Gli Integrali BD continuano a uscire non sono facili da trovare (ma anni prima l’analogo XIII della Panini resistette solo qualche mese in edicola per poi ripiegare in fumetteria a prezzo maggiorato). Nel mentre Alessandro Editore e qualche altro eroe hanno continuato a pubblicare prodotti a volte addirittura più belli dei volumi originali, ma a prezzi proporzionati e diffusione talvolta carbonara.

Historica e la pioggia di allegati da edicola di questi ultimi anni, per quanto apprezzabilissimi, fanno testo fino a un certo punto perché realizzati da gruppi editoriali mastodontici che non si occupano specificatamente di fumetti. E comunque di allegati non ne escono più e con Historica è andata come è andata. In tempi più recenti, dopo qualche prova con degli integrali nel formato standard 17x24 (o addirittura nell’incongruo 17x26 dei comic book!), sembravano essersi affermate due nuovi tipologie (i bei brossuratoni di Iznogoud non hanno evidentemente attecchito): più episodi raccolti in un dignitoso brossurato 19x26 oppure imprigionati nel 16x21 bonelliano. Ma anche questi due si stanno forse estinguendo. Fondamentalmente, sembra che agli italiani non piaccia spendere, almeno non per questi prodotti, con buona pace del rispetto delle dimensioni e dei materiali originali. E così la Panini ha ripiegato su un ennesimo nuovo formato che accontenti i veri appassionati, gli unici che evidentemente comprano ancora BéDé in Italia: un integralone cartonato con un bel po’ di volumi originali all’interno. Dopo un giro di prova con l’ennesima ristampa di Thorgal, tocca al buon Jodorowsky testare il formato.

I Cavalieri di Heliopolis è una storia che getta in un unico calderone le leggende sull’alchimia, il misticismo egizio e cinese, Nostradamus, il Conte di Saint-Germain, Luigi XVII, Napoleone Bonaparte, Jack lo Squartatore, Madame Blavatsky e chi più ne ha più ne metta. Al cospetto dei nove Cavalieri di Heliopolis viene sottoposto un nuovo candidato, chiamato semplicemente XVII. Costui in realtà è il figlio del re di Francia Luigi XVI, scampato alla Rivoluzione Francese e, così dicono i Cavalieri di Heliopolis, imperatore per diritto di nascita (tra i suoi antenati figura nientemeno che Gesù) del mondo intero. Ognuno dei quattro volumi in cui si articola la serie è dedicato a una delle fasi del procedimento alchemico per produrre l’oro più puro, metafora dell’illuminazione ma anche metodo per rallentare l’invecchiamento. E così nel corso dei decenni XVII, che viene accettato col nome di Asiamar, dovrà compiere varie missioni tra cui rubare a Luigi XVIII la corona di Maria Giuseppa d’Austria e Polonia, eliminare Napoleone (che avrebbe potuto diventare un Cavaliere di Heliopolis ma è finito fuori controllo) e infine togliere dal quadro anche la creatura nota come Jack lo Squartatore.

Il materiale di partenza è sicuramente suggestivo e le trame sono appassionanti e originali (XVII/Asiamar agisce spesso di sua iniziativa con delle trovate inaspettate) ma chi già conosce Jodorowsky avvertirà inevitabilmente una continua sensazione di déjà vu. Torna per l’ennesima volta la figura dell’androgino perfetto, poco meno che un’ossessione per lo sceneggiatore. Bambini allattati da una cagna si sono già visti in Juan Solo e in almeno un romanzo, uno scimmione guerriero c’era già in Diosamante, i doppi speculari sono Les Jumeaux Magiques, la figura paterna distaccata e crudele è una costante di alcuni fumetti (e della biografia) dell’autore e in fondo il messaggio conclusivo di pace universale è lo stesso dell’Incal.

Stilisticamente Jodorowsky fa parlare i suoi personaggi in maniera magniloquente anche nelle situazioni meno adatte, ma questo può starci ed è un simpatico marchio di fabbrica dello sceneggiatore. Meno efficace è la rapidità con cui vengono sciolti certi nodi della trama, come quando Napoleone entra da conquistatore ad Alessandria ma viene accolto da salvatore una vignetta dopo grazie alla sua loquela: per quanto I Cavalieri di Heliopolis abbia un pesante sostrato esoterico ed ermetico, è anche un appassionante fumetto d’avventura e glissare rapidamente su certi passaggi gli toglie un po’ di pathos. In più di un’occasione i personaggi avrebbero insomma dovuto mostrarci quello che fanno piuttosto che riassumerlo a parole: non penso che lo spazio sarebbe stato un problema visto che il secondo episodio ha sforato le canoniche 53/54 tavole degli altri per toccare le 62 standard del fumetto franco-belga.

Non ho apprezzato molto la svolta fantascientifica finale, quasi che Jodorowsky volesse razionalizzare quanto di ermetico e sovrannaturale si è visto fino a quel momento. Ma forse sono stato condizionato dalla lettura di qualcuno dei suoi ultimi libri (forse La Danza della Realtà ma non sono sicuro) in cui mi sembrava che cercasse quasi di delegittimare l’aspetto mistico di quello che aveva scritto e riportato in precedenza – ma è appunto solo una mia impressione.

Non so come Jodorowsky abbia lavorato insieme a Jérémy, ma considerando il suo non-metodo di scrivere le sceneggiature potrebbe darsi che certi passaggi risolti troppo rapidamente siano imputabili al disegnatore. Sicuramente voglio ascrivere a lui il pessimo gusto di aver fatto battere i pugni (o come diavolo si chiama quel gesto giovanile) tra Asiamar e il gorilla Beto dopo un combattimento, roba da fumetto Marvel indegna di un fumetto francese – tanto più se d’ambientazione storica.

Per quel che riguarda il suo disegno in quanto tale, Jérémy è sicuramente rigoroso e spesso spettacolare (gli si perdona facilmente che non riesca a disegnare Napoleone con la stessa faccia due volte di fila) ma credo che molto del fascino di queste tavole sia merito del colorista Felideus, e non solo perché i cromatismi che progressivamente assume la “Grande Opera” (nero – bianco – rosso – giallo) caratterizzano ognuno dei quattro capitoli nelle scene salienti. Peccato per i ritratti dei sovrani francesi copiaincollati, ma se per disegnare sfondi e architetture Jérémy o Felideus ha fatto ricorso al computer è stato molto bravo a dissimularlo.

I Cavalieri di Heliopolis è un fumetto decisamente buono: il suo ermetismo è accompagnato da molta azione e anche un po’ di umorismo (certo, l’umorismo di Jodorowsky), e riuscire a creare un fil rouge che unisse personalità e concetti così distanti nel tempo e nello spazio è stata una bella sfida vinta con classe. Ciononostante, non lo metterei tra le opere migliori di Jodorowsky, pur se è consigliatissimo a chi non ha ancora confidenza con l’autore.

Tornando al formato, credo che l’iniziativa della Panini sia stata azzeccata e permette di leggere una serie nella sua interezza con le dimensioni e la carta adatte. Certo, il prezzo è proporzionato: 28 euro. Ma se non funziona nemmeno questo formato non so come e se la Panini e altri editori continueranno a pubblicare BéDé in Italia.

Acc... dannaz... malediz...

Ahinoi,  ZonaBéDé non scherzava. Fino all'ultimo ci ho sperato visto che il foglietto era ben nascosto.

Via di qui

I protagonisti sono tre giovani (che poi forse tanto giovani non sono) che vivono nella tranquilla e ovattata provincia italiana, probabilmente emiliana giacché i cappelletti sono romagnoli. Entrano in scena progressivamente: all’inizio uno di loro parla a un altro del suo desiderio di fuga, bloccato dall’amore che comunque nutre per la sua città – mentre l’altro partirebbe volentieri se ne avesse i mezzi, verso un’irrealistica e idealizzata vita di ozi. Il primo evoca un episodio cui ha assistito insieme al terzo protagonista (Frà, l’unico ad avere un nome) come esempio dell’arretratezza e della stagnazione in cui versa la loro città. Una volta che anche Frà si unisce a loro decidono di andare a provare una nuova pizzeria dove avranno una sorpresa (e con loro il lettore), unico e simpatico scossone di una “storia” più descrittiva che narrativa.

Lo stile grafico di Guido Brualdi parte realistico ma diventa presto sporco e caricaturale, pur con un suo rigore: può ricordare vaghissimamente Tuono Pettinato. Il risultato è gradevole ed efficace e anche i colori sono dati con criterio e perizia. Forse in 24 pagine di fumetto avrebbe potuto mettere più carne sul fuoco, ma mi rendo conto che Via di qui volesse essere più la descrizione di certe suggestioni che non una “storia” vera e propria.

Come nel caso di Padovaland la quarta di copertina annuncia con toni quantomeno seriosi («Il desiderio di scoprire il mondo e la paura dell’ignoto si fondono in un racconto […] sull’amicizia e la scoperta di se stessi.») quella che in realtà è una commedia con al massimo qualche velatura agrodolce, che bisogna sforzarsi per cogliere.

Il Morto 45: Una figura ambigua

Torna la zona gialla e quindi torna anche Il Morto, uscito qualche settimana fa ma nella solita edicola di un altro comune che è l’unica dove lo trovo. Questa recensione esce quindi con giustificato ritardo.

In questo episodio molti nodi vengono al pettine. La magistrata che seguiva il caso del traffico d’armi viene uccisa e le prove fatte sparire. Ma in realtà non tutte sono state eliminate e grazie a un’ottima trovata degli sceneggiatori (Luca Telloli scrive insieme a Ruvo Giovacca come già succede da alcuni numeri) i documenti scottanti vengono rinvenuti dal giudice Nibbio che decide di contattare il colonnello Borea per procedere con delle indagini discrete. Nel mentre Peg elimina, forse definitivamente, la coppia di assassini che si erano visti 37 numeri or sono (!) e altre sottotrame vengono risolte. Il tutto con una narrazione scattante e dinamica che tiene incollati alle pagine e fa perdonare qualche refuso qua e là.

Ci sarebbe insomma di che essere più che soddisfatti, se non fosse per il solito problema: le uscite molto diradate de Il Morto non permettono di gustarsi appieno l’attenta architettura delle sue storie (chiamiamola pure continuity); io faccio fatica a ricordarmi chi sono i vari personaggi di contorno da un numero all’altro, figuriamoci quelli che sono comparsi su episodi di otto anni fa! Un breve riassunto o un elenco dei personaggi all’inizio dell’albetto potrebbe sopperire a questa situazione un po’ frustrante. Questo numero in particolare, poi, straborda di personaggi ed essendo alcune figure femminili molto simili può sorgere inizialmente qualche problema nell’identificarle. Inoltre non ho capito chi sia la «figura ambigua» del titolo, e l’esistenza del Fante di Spade attorno cui doveva ruotare questo ciclo ci viene ricordata solo dalla suggestiva splash page di Ermete Librato. Vista la concitazione di questo episodio, sembra quasi che sia stato ricavato dalla fusione di due episodi distinti.

Molto buono l’apparato grafico, in cui Piero Conforti è stato supportato da Adriano Imperiale (entrambi inchiostrati da Gianluca Francesconi ed “elaborati” dallo Studio Telloli). Credo che a Imperiale vadano ascritte le prime tavole in cui un buon dinamismo sopperisce a qualche leggera deroga all’anatomia. Da notare che oltre a una “citazione” a pagina 65 della copiatissima Helena dell’immenso Garcia Seijas (di cui non sono nemmeno sicuro al 100%) il killer della magistrata è Nick Raider, ripreso dalle sue pose più iconiche!

In appendice la storia breve Ciclo Perpetuo di Ruvo Giovacca in cui un mostro passa dodici tavole a divorare uccelli fino alla sorpresa finale. Ottimi i disegni dall’inchiostrazione “grassa” di Giuliano Bulgarelli, e ottima anche la qualità di stampa che permette di vedere le sfumature della china.

Doom Patrol: Mattone su Mattone

Dopo la parziale insoddisfazione nel leggere la nuova versione femminile di Shade ho voluto provare a dare una chance anche alla nuova, ennesima versione della Doom Patrol. Non è andata molto meglio.

Purtroppo non avendo letto tutte le varie incarnazioni del supergruppo di freak sicuramente qualcosa mi sono perso, e la storia non è troppo accessibile per chi non ha un’infarinatura di quella continuity. In ogni caso, la vicenda prende le mosse con Casey Brinke, spericolata guidatrice di un’ambulanza, che come da manuale si trova ad affrontare situazioni sempre più assurde mentre i suoi ricordi d’infanzia sono ancora più assurdi. Non credo di rovinare la sorpresa a nessuno (dalle gerenze leggo che questa Doom Patrol è roba di circa quattro anni fa) se rivelo che l’impalcatura sottostante è che l’ambulanza di Casey altro non è che un’incarnazione di Danny the Street, la strada senziente creata da Morrison (credo…) che adesso è un intero universo in grado di generare i propri stessi abitanti: proprio per questo è ricercato da due gruppi di alieni che lo sfruttano per creare cibo a non finire. E così Danny si rivolge a Casey che altro non è che un personaggio dei fumetti che egli stesso aveva creato a “Dannyland” come ulteriore piacevolezza con cui intrattenere i suoi ospiti. La sua abilità è appunto quella di essere una guidatrice infallibile che può anche muoversi nel tempo.

Nel frattempo Larry Trainor si riunisce a Robotman e riacquista con un compromesso lo spirito negativo. Insieme a Flex Mentallo si uniscono a Casey per finire nel Nuovo Messico dove ritrovano anche Crazy Jane, adesso a capo di una setta che vuole cancellare le identità tramite una bomba. Ma non tutto è come sembra.

Il primo arco narrativo di sei capitoli scorre rapido e anche abbastanza piacevole, pur se ricicla la classica trovata dei doppi negativi. Nel settimo episodio i disegni sono affidati nientemeno che a Michael Allred (tranne che un paio di tavole) e torna Niles Caulder che si offre di guidare questa nuova Doom Patrol – prima Caulder si era solo intravisto in pagine singole estemporanee nei primi sei capitoli. La struttura di Doom Patrol è identica a quella di Shade: dopo un ciclo introduttivo di sei episodi ce n’è uno di transizione affidato a un disegnatore ospite e poi si riparte con un altro ciclo di cinque. In questo caso Gerard Way sviluppa quello che già aveva offerto in precedenza (la bizzarra inquilina di Casey ha sviluppato una sostanza che rende tutto buono e positivo, il gatto di Casey ritorna ma in forma umanoide, il figlio problematico del collega di Casey sviluppa poteri magici, ecc.) ma ci infila dentro un sacco di altra roba, rimandando anche a episodi precedenti di Morrison e di chissà chi altro. Fottuta continuity. E alla fine di un guazzabuglio che non tento nemmeno di riassumere tutto si rivela metanarrativo. Tutto calcolato sin dall’inizio, certo (a partire dal titolo del volume), ma non c’è molta soddisfazione a leggere che quello che si è letto “non è reale” o che comunque non deve necessariamente essere la norma da lì in avanti. E non bastano i molteplici riferimenti ai giochi di ruolo per blandirmi.

Nick Derington sfodera quello stile scarno e asciutto, con qualche morbidezza, che adesso sembra tanto di moda in America. Sarà sicuramente funzionale per i lavori della Tegelmeier o della Jamieson, ma non per quella che alla fine è l’ennesima storia di supereroi. Nel dodicesimo episodio lo stile diventa più corposo e ricco, probabilmente per merito dell’inchiostratore Jeremy Lambert (lavoro svolto in precedenza da Tom Fowler), ma non è che la qualità faccia poi chissà quale balzo in avanti.

Come nel caso di Shade la storia prosegue ancora, o almeno Gerard Way si è lasciato degli spiragli per continuarla. Non che questa Doom Patrol sia proprio brutta, ma tra le tante bizzarrie messe in scena “tanto per” e una struttura abbastanza ragionata ma pur sempre banalmente supereroistica, la cosa che ho apprezzato di più è il materiale che mi ha fornito per i Fumettisti d’Invenzione.

Lucca 2020

 

 

Lucca 2020

Mauro Longo